25 samtida konstverk du behöver se

Samtidskonst är en period som allmänt anses sträcka sig från efterkrigstiden fram till idag. Den omfattar många olika stilar, genrer och konstnärliga tillvägagångssätt, och är därför svår att helt förstå. Det är där vi kommer in! Här presenterar vi 25 viktiga samtida konstverk som du behöver känna till för att till fullo förstå denna konstnärliga period!

1. Andy Warhol, Campbells soppburkar

(1962)

Ett av världens mest kända samtida konstverk är konstnären Andy Warhols Campbell’s Soup Cans. Verket är symboliskt för popkonströrelsen och illustrerar konsumtionskultur och massmedia i det amerikanska samhället. Utöver detta är Warhols signaturstil synlig i hans arbete. Genom upprepningen av det representerade föremålet speglar konstnären sin kritik av ett konsumtionssamhälle och dess oändliga produktions- och konsumtionscykel.

2. Louise Bourgeois, Maman

(1990)

Maman står på en höjd av 30 meter i form av en spindel och är ett ikoniskt skulpturkonstverk av Louise Bourgeois. Olika versioner av pjäsen finns, skapade i en mängd olika material. Byggd för en utställning på Tate Modern, hyllar den Bourgeois mamma, som plötsligt dog när konstnären bara var 21.

3. Jackson Pollock, Autumn Rhythm

(1950)

Autumn Rhythm skapades på toppen av Jackson Pollocks karriär och är ett perfekt exempel på droppmålningstekniken. Tekniken, som är specifik för Pollock, gjorde honom känd på grund av sin originalitet. För att skapa sina verk stod Pollock på sin duk och droppade utspädd färg på duken och lät den falla naturligt. Han droppade, plaskade, skrapade och hällde färg på sin duk. För konstnären så drev rörelsen och målningarna själva hans konst. Denna unika metod att måla anses vara konstnärens varumärke.

4. Njideka Akunyili Crosby, I Still Face You

(2015)

En ung och dynamisk konstnär, Njideka Akunyili Crosby förenar sin dubbla kulturupplevelse i sina levande samtida konstverk. Efter att ha tillbringat sina uppväxtår i Nigeria flyttade hon till Amerika vid 16 års ålder och bor och arbetar nu i Los Angeles. Hennes intensivt personliga verk förenar hennes rika kulturella influenser med mer ”traditionella” acetonmålningar överlagrade med komplexa uppsättningar, som ofta är en sammanställning av element hämtade från nigeriansk folkkultur.

5. Damien Hirst, The Physical Imposibility of Death in the Mind of Someone Living

(1991)

Bevarat i formaldehyd är verket ”The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living” av Damien Hirst fortfarande ett av de mest kontroversiella samtida konstverken i historien. Den ursprungliga pjäsen beställdes av samlaren Charles Saatchi 1991, men hajen var tvungen att ersättas 2004 när pjäsen såldes. På grund av verkets natur undrar många om verket ska betraktas som konst eller inte.

6. Cecily Brown, The Girl Who Had Everything

(1998)

Den brittiska konstnären Cecily Brown är känd för sina lyxiga och extremt strukturerade samtida konstverk. Hennes konst är en blandning mellan barockmästarnas och abstrakt expressionism. Hon blandar färg och textur med sexuellt suggestiva figurer och biomorfa former som sticker ut mot de abstrakta virvlar som dominerar hennes målningar. Genom att helt enkelt anspela på former snarare än att erbjuda en konkret representation tvingar konstnären betraktaren att undersöka målningarna på djupet, där de erotiska bilderna kommer i fokus.

7. Yayoi Kusama, Infinity Mirror Room

(1965)

Den japanska konstnären Yayoi Kusama har beskrivits som en av vår tids mest excentriska konstnärer. Hennes psykedeliska och hallucinatoriska verk använder motiv och upprepning för att leka med begreppet oändlighet. Infinity Mirror Room är en uppslukande installation designad för att uppsluka betraktaren/deltagaren i en överväldigande känsla av oändlighet och möjligheter. Kusama har beskrivit sitt liv som ”en ärta som går förlorad bland tusentals andra ärtor”.

8. Keith Haring, Untitled

(1982)

Den här målningen sammanfattar Keith Harings popkonststil, med dynamiska figurer och en enkel komposition. Från sin början som graffitikonstnär på New Yorks tunnelbana började Keith Haring sin karriär med sina omedelbart igenkännliga figurer och mönster. En av hans mest representerade symboler är hjärtat. Han använde sitt arbete för att popularisera viktiga budskap om sexualitet och AIDS under en tid då stigmat och tabu kring dessa ämnen fortfarande var utbredd.

9. Jean-Michel Basquiat, Untitled

(1981)

Detta livfulla och dynamiska konstverk, målat när Jean-Michel Basquiat bara var 20 år, anses vara ett slags gåta av konstkritiker. Ibland kallad ”Skull” på grund av ansiktets form, väcker denna komplexa komposition säkerligen fler frågor än den ger svar. Avbildar det en skalle eller ett halvformat ansikte? Föreställer målningen liv eller död? Vissa undrar till och med om det inte är ett slags självporträtt av konstnären.

10. Jenny Saville, Propped

(1992)

Målningen som startade Jenny Savilles karriär är ett slående självporträtt. Saville gjorde sig ett namn med sina stora porträtt (ofta självporträtt), som föreställer kvinnor som inte överensstämmer med samhälleliga skönhetsnormer, men som speglar den stora mångfalden av skönhet hos kvinnor. Hennes särpräglade hantering av oljemålningar och hennes varma hudtoner påminner om Lucian Freud och Francis Bacon.

11. Banksy, Girl with Balloon

(2002)

Denna ikoniska gatukonstnärs verk dök upp först på Waterloo Bridge i London, även om det sedan dess har målats om. Detta arbete har upprepats många gånger till stöd för olika politiska kampanjer, särskilt den syriska flyktingkrisen 2014. Under 2018 strimlades en inramad kopia av verket spontant under en auktion på Sotheby’s, tack vare en enhet som Banksy själv installerat i ramen. Han döpte om det strimlade verket till ”Love is in the Bin”. Köparen som hade köpt trycket för ett rekordpris beslutade att gå vidare med försäljningen.

12. Tracey Emin, My Bed

(1998)

My Bed, som namnet indikerar, är en rekonstruktion av konstnärens obäddade säng. Tracey Emin har sagt att denna idé kom till henne efter en lång period av depression orsakad av svåra relationer och alkoholism. Efter att ha återhämtat sig från sin depression blev hon äcklad av röran som hade samlats i hennes rum och bestämde sig för att avslöja det. Verket nominerades till Turner-priset, vilket utlöste en enorm kontrovers om huruvida det skulle kvalificera sig som konst eller inte.

13. Roy Lichtenstein, Look Mickey

(1961)

Med ”Look Mickey” representerade Roy Lichenstein en scen och stil som tillhör popkulturen för första gången i sin karriär, ett steg mot en konststil som skulle bli hans signum. Hans rekonstruktion av ett redan existerande verk, ända fram till pratbubblan, har fått många att beskriva verket som en förolämpning mot de sköna konsterna. Ändå kom denna unika stil att firas. Idag anses han vara en av pionjärerna inom popkonströrelsen.

14. Takashi Murakami, Flower Ball

(2002)

Konstnären Takashi Murakami utbildade sig till en början i den traditionella japanska konsten ”Nihonga”, innan han blev frustrerad över elitismen som var förknippad med genren. Han uppfann termen ”“superflat”” i början av 2000-talet för att beskriva arvet från 2D-konst i japansk kultur genom ett långt arv av anime och manga, men också för att ta itu med det japanska samhället efter kriget.

15. David Hockney, Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)

(1972)

Ansett som det dyraste konstverket av en levande konstnär som någonsin sålts på auktion, är ”Portrait of an Artist” ett av de mest ikoniska verken av David Hockney. Verket skapades med hjälp av två fotografier som iscensatts av konstnären. Den första versionen av verket förstördes. Men en andra version målades om under två veckor 1972.

16. Dorothea Tanning, Door 84

(1984)

Detta verk av Dorothea Tanning markerar början på utvecklingen av figurativ surrealism mot mer abstrakta kompositioner, tack vare lösa, dynamiska drag och ljusa färger. Konstnären skapade detta verk med hjälp av oljefärg och ett dörrsegment. Detta är dock inte ett av konstnärens mest kända verk. Konstnären blev faktiskt mest känd för sina verk Birthday (1942) och Eine Kleine Nachtmusik (1943).

17. Jeff Koons, Balloon Dogs

(1994)

Den tidigare Wall Street-handlaren Jeff Koons är en mycket kontroversiell figur i konstvärlden. Han har erkänt att hans verk inte har något djupare meningsbudskap utöver esteticism. Dessutom använder han en verkstad för att förverkliga sina visioner och skapar därför inte sina verk själv. Av dessa skäl ifrågasätter många om hans verk med rätta kan betraktas som konst eller inte. Hans metalliska ballonghundar är utan tvekan de mest igenkända av hans samtida konstverk.

18. Marc Chagall, ceiling of Paris Opéra Garnier

(1964)

”Ceiling of Opera Garnier in Paris” är utan tvekan ett av Chagalls mest kända verk. Det har orsakat betydande kontroverser sedan det skapades och den officiella invigningen 1964. Faktum är att de olika panelerna monterades under skydd av militära vakter. Detta livfulla verk bekräftar bara Chagalls status som ”en av vår tids stora målare”, som innehåller referenser till kända kompositörer och konstnärer från hela historien.

19. Frida Kahlo, Självporträtt

(1948)

Detta slående självporträtt var det sista som Frida Kahlo målade. Självporträtt är det enda verk som skapades av konstnären 1948 på grund av hennes försämrade hälsa. I detta verk bär Frida Kahlo den traditionella klänningen från Tehuana i Mexiko, med en präglad krage som ramar in hennes ansikte och ersätter hennes vanliga naturliga bakgrund. Skärpan i hennes ansikte och smärtsamma uttryck accentuerar hennes djupa känslor.

20. Lucian Freud, Reflektion

(1985)

Den brittiske konstnären Lucian Freud är känd för sina figurativa skildringar. Alla hans verk är självbiografiska och hans självporträtt gjordes med hjälp av speglar. Detta verk är ett perfekt exempel på skaparens konstnärliga stil: varje linje, varje defekt i hans ansikte och hud är synliga. Psykologen Sigmund Freuds barnbarn anses av många vara en konstnär som skildrar sina modeller på ett brutalt sätt. Han erbjuder därför allmänheten en inblick i deras sinnen och deras världar.

21. Sophie Calle, Prenez soin de vous

(2007)

2007 avslutade Sophie Calles dåvarande pojkvän deras förhållande via e-post, och avslutade med orden ”ta hand om dig själv”. Någon gång senare distribuerade konstnären detta mejl till 107 kvinnor, utvalda för deras professionella expertis, och bad dem att tolka hans ord. Svaren inkluderar språkkritik, juridisk analys, danstolkningar, kodning och till och med en kort film av en kakadua som långsamt äter upp den tryckta lappen. De olika svaren sammanförs i denna extraordinära utforskning av relationer och sårbarhet.

22. Antony Gormley, Angel of the North

(1998)

Anthony Gormley är känd för sina antropomorfa statyer. Dessa är ofta baserade på avgjutningar av hans egen kropp. ”Angel of the North” är ett av de mest kända verken av denna konstnär. Det finns i Gateshead i Storbritannien. Det byggdes under fyra år och kostade cirka 800 000 pund att bygga. Vingarna är lätt lutade inåt, vilket tyder på en omfamning. Dessutom är skulpturen tänkt att representera tidens gång.

23. Ai Weiwei, Remembering

(2009)

Den kinesiska konstnären Ai Weiwei skapade detta slående verk för att hylla barnen som drabbades av en jordbävning som ägde rum i Sichuan-provinsen 2008. Naturkatastrofen rev ner många skolor, vilket var särskilt förödande. Dessa skolbyggnader var dåligt konstruerade och det ledde som ett resultat till många barns död. Det storskaliga arbetet består av 9 000 studentryggsäckar. Åskådaren kan läsa de kinesiska tecknen ”hon levde lyckligt i denna värld i sju år”. Den här meningen är ett citat från en sörjande mamma om sitt förlorade barn.

24. Francis Bacon, Three Studies of Lucian Freud

(1969)

Den här triptyken såldes komplett 2013 och blev det dyraste konstverket som sålts av en brittisk konstnär. Det representerar konstnärens vän och rival, Lucian Freud. Francis Bacon har alltid betonat vikten av att inte skilja de tre studierna åt. Detta har dock inte alltid varit möjligt, eftersom de 3 dukarna separat har bytt ägare många gånger under åren.

25. Mark Rothko, Orange, Red, Yellow

(1961)

Under 2012 slog verket ”Orange, Red, Yellow” rekord på auktionen under försäljningen. Mark Rothko, känd för sin geometriska abstraktion och livfulla färger, har fått lika mycket kritik som beröm. Rothko gjorde sina verk i mycket stor skala. För konstnären måste hans arbete vara ”mycket intimt och mänskligt”. Han rekommenderade att åskådaren skulle stå 60 fot från hans verk för att fullt ut uppleva intimiteten och transcendensen mellan verket och publiken.

Vems samtida konstverk kommer du att upptäcka härnäst?

Nu när du är bekant med dessa ikoniska samtida konstverk, finns det så många fler att upptäcka! Utforska vad som finns på Internet om samtida konstverk av både kända och helt nya konstnärer!